miércoles, 24 de junio de 2015

Actividad final.


Comentario final del curso-taller imágenes en movimiento.

El curso-taller imágenes en movimiento ha concluido, le acompaña toda una serie de inquietudes y reflexiones que giran en torno a esta actividad, que nos toca direccionar a un sitio al que le nombramos arte. No obstante, esta actividad es inherente al sentido fenomenológico en el que nos toca recibir y construir imágenes que se gestan en el mundo, al cual, percibimos acorde a lo que vivimos. Somos el resultado de un largo proceso evolutivo en el cual se ha priorizado lo visual, permitiéndonos conocer y reconocernos a nosotros mismos y al entorno en el cual nos encontramos fincados, con una serie de estímulos orgánicos, mecánicos y electrónicos que habrá que descifrarlos  con la mente.

 Siendo así, la memoria, el recuerdo y la sensación de capturar el tiempo o el de la continuidad de este, se encuentran estrechamente amarrados a imágenes. Imágenes que podemos ligar con un instrumento tecnológico llamado cámara, la cual, nos da otra posibilidad de visualización de ciertos fenómenos que nos inquietan y que el ojo humano en sus condiciones anatómicas y fisiológicas no lo permean.  Así mismo para el arte, la cámara y los softwares de edición y posproducción son generadores de videos, que dan muestra de una serie de ideas y pensamientos procesados con los que se intenta expresarse, comunicar o darse a entender hacia los demás.

 En opinión personal sobre el curso-taller imágenes en movimiento, los medios de tratar la imagen a partir de la posproducción fue lo que más me capturo e impresiono, me permitió conciliar el registro de la realidad con ese otro registro: el del imaginario.  Ya que, un día como hoy comprendí aquello que te he contado un centenar de veces, que no hay nada equivocado en el mundo. La equivocación está en nuestra manera de contemplarlo (Henry Miller).

miércoles, 10 de junio de 2015

Actividad del modulo 3.


Actividad del módulo 3.

Edison, Hermanos Lumier y Mélies.

La obtención de imágenes fotográficas a través de exposiciones rápidas acelero la vía del análisis del movimiento, los inventores volcaban su interés en el registro del movimiento, mas no en su proyección. Lumiere, Edison y melies, son personajes claves en la formulación histórica de las imágenes en movimiento, su trabajo se desarrolló en tiempo y forma semejante, marcado por la disputa de la cinematografía como espectáculo y naturalmente por tintes de interés económico a través de las patentes. A pesar de ello, los sistemas que apuntalaron dichos personajes fueron más allá del siempre registro del movimiento, es decir, se preocuparon por la problemática que conlleva la proyección.

Thomas alba Edison en los talleres de West-Orange en Norteamérica “tuvo la idea de construir un aparato que pudiera ser para la vista lo que el  fonógrafo era para el oído, pero que fuera capaz de registrar tanto el sonido como el movimiento”. La utilización de la pelicula de celuloide de 35 mm y la perforación de esta en sus bordes (sugerida por Dickson) es la pauta que marca la estructura del film. Tras ensayos con el kinefonografo, en 1981 Edison y Dickson patentan el kinestocopio, aparato que al girarle la manivela se da una sucesión de pequeñas imágenes fotográficas convertidas en una escena.

En parís 1985, los hermanos Lumiere dan muestra de su patente, se considera que la primera proyección (esta es una de las diferencias entre la patente de ellos y la de Edison, ya que la del segundo estaba destinada para mirada de una sola persona) de estos es el film que lleva por nombre “salida de los talleres Lumiere”, sin embargo, la primera muestra en publica se considera que fue hecha el 28 de diciembre de 1985 en el salón Inden. Al igual que a Edison, les caracterizan tomas a cámara fija y sin primeros planos, los capturado tiene que ver con actividades que se desarrollan cotidianamente, llegada del tren a La Ciotat, Pesca de los peces rojos, demolición del muro y el almuerzo del bebe, son algunos de los títulos que enuncian por sí mismos lo contenido en los films.

Tanto Edison como los Lumiere maravillaron con sus film a George Melies, las primeras producciones de él (Melies) dan cuenta de ello,  son simples imitaciones, sin ninguna originalidad. Sin embargo, poseía un conocimiento basto en la dirección de escena, su trabajo se convierte preponderante al emplear el truje, acto que se ha relatado lo visualizo a partir de un error. No cabe duda que la cinematografía trastocaba tintes de índole económica que le caracteriza al entretenimiento. Sin embargo, es el quien se preocupó por una verdadera producción como la concebimos hoy en día. El trucaje, la construcción de un estudio y su vasto conocimiento en las puestas de escena, le inclinaron a la realización de films con porciones narrativas, dio el paso del films del registro de lo cotidiano a la muestra de historias.

 

martes, 9 de junio de 2015

Actividad.


Comentario sobre la muestra de cámaras de video.

Cierta muestra fue desarrollado por Andrea di castro, abordando una serie de implicación que giran en torno a la captura de las imágenes en movimiento, sin embargo, para esta ocasión focalizo los intereses en la transformación de la cámaras. Hizo muestra en físico de una serie de ellas, explico su funcionamiento y resalto características que acotan o en todo caso potencializan la captura de imágenes.

Se ha resaltado la reducción en tamaño y forma de estas a través del tiempo, viajando de las pesadísimas cámaras con casetera independiente a las reducidísimas GoPro, a los cambios de estos aparatos le acompañan los efectuados en los medios de almacenamiento, tales como lo son cintas, casete y memorias. La reducción de ambos dispositivos, se ha considerado que es producto de los avances tecnológicos, causando una obsolescencia programada, es decir, la utilidad del producto se encuentra ligada a un periodo temporal.

Sin embargo, a pesar que las cámaras atraviesan por el carácter de obsolescencia, se debe tener en cuenta que cada una de ellas, debido a sus características, ofrece una posibilidad expresiva particular.

Actividad.


Comentario de la película “El hombre con la cámara”.

Dziga Vertov es el realizador de “El hombre con la cámara” (1929), esta producción muestra una serie de escenas de la ciudad de San Petersburgo en su cotidianidad. Consolidar un discurso a partir de escenas, que en realidad son trozos aislados de la vida de sujetos, resulta compleja su elaboración; Vertov  para alcanzar esta cohesión de retazos -que hablan por sí mismos- se ha de valer del montaje y de ciertos trucos visuales, a su vez, arroja pautas encaminadas a la reflexión sobre la manera en que observa el ojo con la cámara y de la inmersión de esta en la sociedad, de su contacto con los individuos y de los proceso a seguir para su proyección.

Para trasladar a esta hechura a nuestros días, habrá que despojarse de la idea que el imaginario guarda de lo que es el cine, cabe mencionar que cada individuo tiene almacenadas distintas ideas que va acorde a su experiencia con esta práctica. Conciliemos por un lapso de tiempo la observación de imágenes en movimiento sin sonido, sin la trama o historia que anhelamos mirar, sin esa exagerada definición de imagen y exaltación de color que digerimos hoy en día a través de nuestras pantallas, lograr el ejercicio pareciera que requiere de mucha disposición, sin embargo, estoy seguro que aquellos que miraron en su momento y forma el trabajo de Vertov, se impresionaron de la misma manera en que hoy en día nosotros lo hacemos con nuestras imágenes.

Actividad.


Comentario de la película Koyaanisqatsi.

Koyaanisqatsi es una producción realizada en 1982 bajo la dirección de Godfrey Reggio; en ella se hace  muestra de una serie de tomas de ambientes naturales, que son en sí mismos atmosferas. Es muestra descriptiva de inmensos paisajes desérticos, que acarrean la sensación de contemplar al ser humano como una índole diminuta, en donde la única manera de poder manipular a estos ambientes naturales, sería solo a través de una cámara. Sin embargo, esto no es así, ya que el ser humano en su desmesura por controlar lo orgánico se ha planteado una serie de estrategias a partir –en cierta medida- de la tecnología con la que cuenta en su momento.

Esta producción muestra esa otra pauta de la naturaleza alterada por otra naturaleza artificial, de algún modo si querer verle de esta manera, mecánica que pone en movimiento a una serie de objetos, como lo son los medios de transporte en las grandes urbes caracterizadas por su explosión demográfica. Las tomas de estas (las urbes) son mostradas a un ritmo acelerado, convertidas en analogías del apresurado transitar de la vida en la ciudad. Koyaanisqatsi se interesa por describir y reflexionar de aquello que se suscita en un periodo, capta atmosferas y a su vez genera otras, complementándoles con cierta sonorización.

lunes, 8 de junio de 2015

Actividad.


 
Reflexión sobre el uso de planos y campos así como de los movimientos de la cámara para la creación de un lenguaje de las imágenes en movimiento.
Las imágenes en movimiento se han valido de una serie de estructuras establecidas para generar un medio de comunicación llamado lenguaje; lo verbal, sonoro y visual converge en él. A pesar que se desarrolla -en su apariencia- a partir de elementos establecidos, nos resulta difícil pensar en un lenguaje inerte y generalizado, debido a su naturaleza simbólica y de códigos compartidos entre unos tantos y nada más. Por ello, la aplicación de planos y campos abren una brecha que posibilita la reinterpretación a partir de lo visual de aquello que ha querido ser comunicado.
Imágenes compuestas por tonos, con su presencia o ausencia de color, con la textura que  le imprime el material empleado en su captura, con una continuidad o discontinuidad de proporción y de espacio en la pantalla, es ofrecida al espectador bajo algún formato natural o artificial de ciertos hechos. El espacio es uno de los componentes visuales que se debe de tener en mayor consideración, su manejo en la pantalla a partir de encuadres por planos y campos, y por el movimiento de la cámara, configuran a aquello que se busca representar.
Los planos y campos son caracterizados de acuerdo a la posición y distancia que guarda la cámara con respecto al sujeto. A partir de estos componentes es posible generar imágenes con caracteres que van de lo descriptivo a lo subjetivo, se ha considerado que los planos hacen referencia al personaje y los campos al ambiente. A su vez el tiempo y el movimiento de la cámara le imprimen otro carácter expresivo a la imagen. Para generar alguna atmosferas o algún tipo de lenguaje de convenciones psicológicas, es necesaria la alternancia de estos componentes continua de estos componentes.

Actividad


Reflexión de la influencia de los experimentos pre-cinematográficos en los diferentes movimientos artísticos.

El forje de la historia pre-cinematográfica ha encajado múltiples experimentos y dispositivos (tales como el kinestocopio), marcadores de su época y conectores de corrientes de pensamiento. La gama de influencias que arrastraron consigo desemboca en variadas maneras de adquirir, tratar, distribuir y proyectar la imagen en su ilusión de movimiento. La secuenciación de imágenes en  película, fotografía o dibujo –según sea el caso- se ha convertido en una poderosa herramienta discursiva de opinión, transitando del registro de lo cotidiano, lo particular, de lo próximo del entorno, a las inquietantes posturas experimentales que conllevaron a rupturas narrativas y de expresión en el arte contemporáneo.

El desarrollo constante de experimentos y dispositivos ofrece una variada captura y reproducción de imágenes de lo visible, sin embargo, le han añadido una premisa que le ha potencializado, es decir, la han temporalizado. Dicho carácter aventura a esa sensación de haberle arrebatado un fragmento en tiempo real de lo suscitado al mundo en el que se está incrustado. Pensar a los movimientos artísticos dados en la historia, es pensar en las imágenes ofrecidas por ellos y naturalmente en los medios mecánicos de reproducción que las posibilitaron en su observación, análisis y pretensiosa alteración o modificación que el artista les realiza.

Cada periodo le ha añadió una lectura contextual a sus imágenes, impregnándoles de una manera de hacerse que les distinguiera, de una tecnología de procesamiento, pero más aún -a mi consideración- la mayor influencia de los experimentos pre cinematográficos en los movimientos artístico, fue el haberle brindado otra manera de tratar y distribuir la imagen. A su vez, al receptor o espectador se le ha ofrecido una forma alterna de percibir y experienciar imágenes de su mundo a partir de un carácter fenomenológico, realista e imaginario.

Actividad del modulo 2.


Reflexión de la influencia de los experimentos pre-cinematográficos en los diferentes movimientos artísticos.

El forje de la historia pre-cinematográfica ha encajado múltiples experimentos y dispositivos (tales como el kinestocopio), marcadores de su época y conectores de corrientes de pensamiento. La gama de influencias que arrastraron consigo desemboca en variadas maneras de adquirir, tratar, distribuir y proyectar la imagen en su ilusión de movimiento. La secuenciación de imágenes en  película, fotografía o dibujo –según sea el caso- se ha convertido en una poderosa herramienta discursiva de opinión, transitando del registro de lo cotidiano, lo particular, de lo próximo del entorno, a las inquietantes posturas experimentales que conllevaron a rupturas narrativas y de expresión en el arte contemporáneo.

El desarrollo constante de experimentos y dispositivos ofrece una variada captura y reproducción de imágenes de lo visible, sin embargo, le han añadido una premisa que le ha potencializado, es decir, la han temporalizado. Dicho carácter aventura a esa sensación de haberle arrebatado un fragmento en tiempo real de lo suscitado al mundo en el que se está incrustado. Pensar a los movimientos artísticos dados en la historia, es pensar en las imágenes ofrecidas por ellos y naturalmente en los medios mecánicos de reproducción que las posibilitaron en su observación, análisis y pretensiosa alteración o modificación que el artista les realiza.

Cada periodo le ha añadió una lectura contextual a sus imágenes, impregnándoles de una manera de hacerse que les distinguiera, de una tecnología de procesamiento, pero más aún -a mi consideración- la mayor influencia de los experimentos pre cinematográficos en los movimientos artístico, fue el haberle brindado otra manera de tratar y distribuir la imagen. A su vez, al receptor o espectador se le ha ofrecido una forma alterna de percibir y experienciar imágenes de su mundo a partir de un carácter fenomenológico, realista e imaginario.

viernes, 30 de enero de 2015

Modulo 1.


El presente texto forma parte de las actividades programadas para el curso “imágenes en movimiento”. Módulo 1: la persistencia retiniana y los primeros aparatos.

Arte, ciencia y tecnología son cualidades en las que el ser humano ha vertido su índole inquisitiva, misma, que le ha permitido conocer y más aún explicar las implicaciones que atraviesan ciertos fenómenos suscitados por la naturaleza. Pareciera que no existe cierta correlación en estas cualidades, debido a que cada una de ellas se rige y direcciona bajo sus propias convenciones, mientras que la primera es una manera distinguida de darse a entender, la siguiente se aventura en la generación de leyes universales, la otra, busca hacer posible, facilitar y dar comodidad al desarrollo de cierta actividad. A sabiendas, que los objetivos son distintos podemos echar un vistazo en la historia de cierta actividad y darnos cuenta que los inventos no se gestan por si solos, es decir, el conocimiento que genera cada cualidad se encuentra en constante interacción y más aún posee el carácter de retroalimentación.

El entendimiento de los efectos ópticos que generan la cámara oscura como la cámara lucida –dispositivos utilizados por artistas para dibujar una superficie tridimensional en un soporte bidimensional- es un claro ejemplo de la interacción y sucesión de conocimientos. La primera se caracteriza por ser un agujero en una malla o pared de un cuarto oscuro, según sea el caso, por el cual pasa la luz para proyectar una imagen invertida en la superficie (en la que se coloca el papel o lienzo a dibujar)  contraria al agujero. En años venideros la cámara lucida de Wollaston le configuraba un lente de observación y un prisma de reflexión de cuatro lados direccionados, uno en ángulo recto de 90°, dos en ángulo de 67,5° y uno en ángulo de 135°, permitiendo que la llegada de los rayos de luz se refleje dos veces en el prisma antes de llegar al ojo, a diferencia de la cámara oscura la imagen es reflejada al derecho por el prisma.

El efecto de la imagen invertida que es proyectada por la cámara oscura y la imagen derecha que refleja el prisma de la cámara lucida, se debe a la naturaleza lineal por la que viajan los rayos de luz, es decir, en el primer fenómeno los rayos de luz al entrar por el agujero van en distintas direcciones y al cruzarse la luz inferior del exterior se proyecta en la parte superior, mientras, que la luz superior externa lo hace en la parte inferior de la pared opuesta. En la cámara lucida el prisma condiciona la llegada de luz, ya que este, actúa como polarizador y distribuidor direccionado de los rayos de luz, en donde, el plano de vibración linealmente polarizada incide en ciertos materiales, gira cuando se aplica un campo magnético B en la dirección de propagación, efecto Faraday es como se le conoce a este fenómeno que da cuenta de la interrelación del electromagnetismo y la luz.

Georges Sadoul en su texto Historia del Cine Mundial, capitulo 1, hace un recorrido biográfico de los inventos –desarrollados primordialmente en la segunda mitad del siglo XIX- que marcaron pautas para el desarrollo de lo que hoy es entendido como cine. El resultado de estos inventos o juguetes ópticos de laboratorios, era, conseguir la sensación de movimiento a partir de imágenes fijas, los científicos enrolados en física fueron los que encajaron esta oleada de inventos que atraviesan el efecto de superposición, la persistencia retiniana y la rueda de Faraday. El traumatropo, el fenaquistiscopio y el zootropo reconstruyen el movimiento a partir de la secuencia de dibujos fijos. Sin embargo, los desarrollos en fotografía –que fue concebida como una nueva forma de dibujo, fijado químicamente- fueron incorporados a las bases que sustentan estos juguetes ópticos, a la postre, estos abandonarían los laboratorios y gabinetes científicos de sus creadores para hacerse públicos.

Las fotografías con placas de vidrio facilitaron la animación de estas, ya que, permite sacar múltiples copias o pruebas en un tiempo de exposición reducido a segundos, el cronofotógrafo, el praxinoscopio, el cinematógrafo, el vitascopio, el biógrafo, el kinestocopio y la perforación de cintas, así, como la creación de la película de 35 mm, fueron aparatos que se confeccionaron en distintas partes del mundo bajo un periodo de tiempo en común. El paso del dibujo a la fotografía dio cuenta de la representación -en escenas de género- del hombre más cercano a lo humano y más alejado de la caricatura. Sin duda alguna estos inventos tras investigaciones sistemáticas, acuñaron conceptos e innovaciones, tales como el circuito cerrado, el primer plano, la escenografía, actores, maquillaje y guion, por hacer mención de algunos, a su vez, estos son los que constituyen hoy en día el cine.

El texto de Sadoul enfatiza la interacción e influencia reciproca de arte, ciencia y tecnología que ha fraguado los cimientos del cine. El ser humano en su marcha histórica ha experienciado fenómenos naturales y sociales, para explicárselos, ha echado mano de los conocimientos que adquiere por sus cualidades, a pesar, que algunos conocimientos perduran en tiempo, no les libra de ser inquebrantables. Seguramente al cuajaron de pensadores, imaginarios y creadores que hicieron posible los inventos mencionados, fueron maravillados e influenciados de la misma manera en que ellos lo han hecho con centenares, no solo en su época, sino también, en las venideras.



Bibliografía:

Capítulo 1, Historia del Cine Mundial, Georges Sadoul.

Links:







domingo, 25 de enero de 2015

Actividad 1 “imágenes en movimiento”.


El curso teórico-práctico: “imágenes en movimiento” (video), lo emprenderé sin experiencia previa en el uso de programas destinados a la edición y posproducción en esta actividad. Por ello la expectativa a conseguir, será: adquirir los elementos teóricos-prácticos implicados en el temario. Sin embargo, la mejor expectativa es encontrar ese algo por lo cual fascinarse.

jueves, 11 de diciembre de 2014

Actividad final.


En consideración, el final del principio.

El curso-taller de fotografía que me conllevo a transitar en este sitio, ha concluido. Es momento de acarear lo pretendido, es decir, las expectativas planteadas al inicio de dicho curso-taller: adquirir elementos técnicos que permeen el manejo adecuado de las herramientas implicadas en la adecuada toma de fotografías. Me resultaría imposible inclinar la balanza al brazo que lleva rotulado el no se cumplió, como hacerlo, si el andar se emprendió con el equipo y conocimiento nulo de lo que envuelve a los procesos del estante fotográfico.

Ha sido un involucramiento difícil, ya que en mi pensamiento, jamás se había asomado el interés por la fotografía y menos aún por los medio utilizados para su distribución o difusión de índole instantánea, como lo son redes sociales o Flicker. Lo adquirido y el acercamiento a esos medios de información compartida, tan solo ha sido un recorrido muy corto en relación a todo ese sendero fotográfico que se ha fraguado con la tecnología, sin embargo es suficiente (lo adquirido) para considerarle, a manera de alternancia, en mi proceso creativo, así como en los estudios sistemáticos en el entendimiento del ser humano.

Lo único a lo que no podemos negarnos en la vida, es el querer aprender y aprehender lo que está en relación con nuestro suscitar, el cómo lo hacemos o lo enfrentamos corresponde a otra tónica.

Activida 19.


10 fotógrafos premio Hasselbland.

Siempre hay un comienzo, es precisamente el sueco Lennart Nilsson (1922-) quien se enlista en el. 1980 es el año en que se otorga el premio Hasselblad; su labor fotográfica se desarrolló en el reportaje periodístico, así como en la captura de imágenes de la naturaleza, las hormigas y el mundo submarino fueron algunas las preferencias a retratar dentro de esta vertiente; no obstante, el trabajo de Nilsson es un referente puntual que ha permitido visualizar el cuerpo del ser humano en ciertos periodos de su ontogenia, de la concepción de la vida al nacimiento. Desde los años sesenta -al obtener las primeras imágenes de un feto- hasta la actualidad es imposible no dejarse impresionar por dichas imágenes; la medicina, la biología molecular, el arte y naturalmente la tecnología son punto de encuentro de manera directa o indirecta en el trabajo de Nilsson.



Ansel Adams (1902-1984), Estados Unidos de América. 1981 es el año que se le otorga el premio Hasselblad. La naturaleza plasmada en su obra imposible no situarte un momento a observarla, los árboles, las montañas, los ríos; configuran atmosferas que Adams tuvo la facultad de hacerse de ellas y a su vez, su trabajo es un generador de atmosfera para quienes le miramos.


                   http://shop.anseladams.com/Mount_Williamson_p/1901019.htm.

1982 es el año en que se le otorga al francés Henri Cartier Bresson (1908-2004) el premio Hasselblad. Al echar un vistazo en la historia del quehacer fotográfico, indudablemente, nos resultara imposible no detenernos a observar la obra de Bresson; obra que aloja la esencia de aquellos hechos de la vida desarrollados en su cotidianidad; haciendo preponderante cierta atmosfera suscitada en un instante que se desvanecerá sin dejar rastro alguno, más que aquel impregnado en fotografías, e indudablemente las de él (Bresson) son parte de ellas.


                 http://www.henricartierbresson.org/infos/home_en.htm

Manuel Álvarez Bravo (1902-2002), México. En 1984 le es otorgado el premio Hasselblad. El trabajo de Manuel te invita a mirar a un México, tal vez aún arraigado en el imaginario, pero es con el México que nos identificamos. Con aquel en condición de desarrollo durante la primera mitad del siglo XX, sin embargo, su trabajo atiende a esas otras voces que desearíamos fueran como una parte de su obra, es decir, surrealista, en donde lo mirado tan solo se situara como una creación más para la mente y no una realidad, como lo es la desigualdad social.


En 1987 el ganador del premio fue el japonés Hiroshi Hamaya (1915-1999). El área del estante fotográfico en que se desarrolló el trabajo de Hiroshi fue la documentación de la vida social del ser humano en la ciudad y lo rural de Japón, así; como la naturaleza en su índole. Al atender las escenas capturadas por este fotógrafo, el imaginario que llevamos dentro acarrea la reconstrucción de lo atrapado por Hiroshi para ser visto, tal vez, la provocación de ese imaginario que suscitamos para generar aquella posibilidad de imágenes sea la esencia del trabajo de este fotógrafo.


Sebastião Salgado (1964- ) Brasil. El trabajo fotográfico de salgado te introduce a los otros, a su forma de vida, a lo que solo se consigue estando ahí y con ellos en su cotidianidad, pero también, su trabajo es un hilo conductor a la imaginación por esas formas de vida que han sido facturadas por su lente. El cuerpo es un elemento preponderante en su muestra, cuerpo experienciado y transformado por el trabajo, la alimentación y prácticas culturales.


                                                                   http://www.cuervoblanco.com/GALERIA/g3_1%202.jpg

En la edición de 1994 a la fotógrafa estadounidense Susan Meiselas (1948) se le otorgado el premio. El trabajo fotográfico de índole humanístico-documental realizado por Susan, da muestra de empatía e identificación por la búsqueda de igualdad y justicia; lo retratado (1978-2004) por ella en los pueblos latinoamericanos en posición de lucha social, es registro y voz de las múltiples historias de personas entrelazadas que exigen ser escuchadas. 


                           http://www.susanmeiselas.com/latin-america/nicaragua/#id=intro

                                                     http://www.susanmeiselas.com/

Bernd (1931-2007) y Hilla Becher (1934) en 2004 se unen al enlistado de ganadores de Hasselblad. El trabajo de esta pareja alemana se volcó en la documentación de la industria, particularmente por edificios en condición de abandono; las series realizadas en blanco y negro enfatizan la temática vertida en sus imágenes, dando muestra de la diversidad arquitectónica (diseño) a través del tiempo, región y actividad, de las construcciones empleadas en la transformación de materia prima en su estado natural.


                                 http://www.hasselbladfoundation.org/bernd-and-hilla-becher/en/

La edición del 2008 ha marcado el camino del premio hasselbland al dar apertura del concurso, fotógrafos profesionales reconocidos, que en su trabajo,  no necesariamente son usuarios de     Hassenbland se les ha permitido su participación sin importan la marca que empleen en su práctica fotográfica.

La mexicana Graciela Iturbide (1942- ) se suma a la lista de ganadores en esta edición. Mirarle a su trabajo es introducirse en un viaje por imágenes en la mexicanidad, donde el hilo divisorio del registro etnográfico y lo artístico se acorta. El retrato de la otredad, de lo exótico, de aquello que sabemos pero no conocemos y al mirarle nos inquieta -provocando esa necesidad de aprehensión para la memoria e identificación con ello- son el cuerpo que sujetan e invitan a contemplar a las imágenes fotográficas de Graciela.


                                     http://www.gracielaiturbide.org/muerte/attachment/13/

 

Links.









               http://www.susanmeiselas.com/



 

Actividad 22.


La cámara lucida, nota sobre la fotografía; Roland Barthes.

La fotografía pierde su ser como proceso y se convierte en soporte, es decir, no mostramos interés por el papel, sino por lo que está ahí como referente trastocado en un estimulador de emociones, dando cita a la aventura del recuerdo de lo que fue. El porvenir le alcanzo y le convirtió en objeto desligado de quien ha hecho la toma fotográfica; toma que enmendó la postura corporal del retratado, como no hacerlo si será mirado e interpretado y que mejor que sea de la mejor manera –muchos así lo preferiríamos- en el melancólico teatro de la añoranza en el tiempo.

Sin embargo, la fotografía no dice (forzosamente) lo que ya no es, sino tan solo y sin duda alguna lo que ha sido. Tal sutileza es decisiva. Ante una foto, la conciencia no toma necesariamente la vía nostálgica del recuerdo (cuantas fotografías se encuentran fuera del tiempo individual), sino, para toda foto existente en el mundo; la vía de la certidumbre: la esencia de la fotografía consiste en ratificar lo que ella misma representa[1]. La fotografía es dar cuenta del mundo, no del todo a manera de copia.

La muerte ha cargado consigo un costal repleto de interrogantes a las que el ser humano ha lanzado respuestas con lo que tiene a su alcance, es por ello que al mirar en las distintas regiones geográficas se desenvuelve una diversidad de explicaciones de tónicas biocultural a este fenómeno, la fotografía no escapa a esa diversidad encontrada en las maneras de hacerse e incluso a su clasificación convencional, no obstante, a pesar de la particular cosmovisión de cada región, en el trasfondo de los fenómenos descansan estructuras generales de las cuales no podemos desligarnos, por ello la certeza –de Barthes, de pensamiento estructuralista- fue puntualizar la aprehensión de la muerte como rasgo compartido en la fotografía y naturalmente en la vida.



[1] Barthes, la cámara lucida.

Actividad 20.


Comentario. El trabajo de Mariana Dellekamp y Patricia Lagarde.

El trabajo que realizan mariana Dellekamp y patricia Lgarde, aquel en forma de libro-caja, es un soporte alojador de historias y preocupaciones que no bastan con ser referenciadas a partir de solo imágenes fotográficas bajo la pretensión de aprehensión del instante. Si bien los libros y cajas son alojadores de cierta cosmovisión de quien los realiza, poseen la virtud de ser dictadores de respuestas, en ellos vertimos de forma escrita y en imágenes lo que nos inquieta, pero a la vez en ellos encontramos información que tranquiliza en cierta porción la respuesta indagada.

Por qué los libros-cajas, al menos son así como yo contemplo su trabajo, causan especulación o más aún son regeneradores de escenas alojadas en la memoria, tal vez porque estas estructuras convertidas en soportes, al ser creaciones por el ser humano conllevan su misma naturaleza: apropiarse del mundo cosmovisionado a partir de procesos de aprendizaje ligados a la experiencia, es decir cognitivos, así como de esos otros procesos emocionales, buscando amarrarlos para su permanencia en el tiempo tal y como lo hacemos con las imágenes fotográficas.

actividad 14.


Comentario de la sesión magistral: “la fotografía en el siglo XX” [1], impartida por Andrea Di Castro.

El desarrollo de la sesión magistral “la fotografía en el siglo XX”, fue facturada bajo la visualización de dos tónicas en forma cronológica, es decir, LOS APARATOS y LOS FOTOGRAFOS, que han implicado dentro del devenir de la fotografía en el siglo XX. Quien expone (Di Castro) ha hecho una variada selección de fotógrafos, cada cual, con su manera de trabajo y de pensamiento particularizado que se aloja en el resultado final: fotografía. Sin embargo, es relevante hacer mención que el punto de encuentro del enlistado ofrecido es el arte.

Los aparatos, el desarrollo de la cámara fotográfica y de los soportes, aunque, me ha resultado interesante saber de ellos, fueron los experimentadores, es decir, aquellos que buscaron alternancias al proceso creativo, los que invadieron mi pensamiento. Indudablemente al tropezar el proceso creativo con la generalidad se verá constreñido, por ello la experimentación es una alternancia generadora de conocimiento en el proceso creativo.



 
[1] La exposición completa de este tema fue realizada en dos sesiones (los viernes: veintiséis de septiembre y tres de octubre de 2014).

jueves, 30 de octubre de 2014

Actividad 13.


Encuentros y desencuentros: Después de la fotografía

Pedro Meyer y Joan Fontocuberta.

 “La fotografía se transforma en una variedad de formas de medios emergentes y se integra parcialmente a un sofisticado y enmarañado sistema multimedia, deberíamos buscar la creación de imágenes más útiles y exploratorias, no solo las extravagantes y escandalosas”, este es uno de los múltiples cuestionamientos que ha planteado Ritchin en su obra: Después de la fotografía. Resulta inherente pensar en la creación de imágenes (empleando procesos digitales) y su porción de moralidad, debido a que, la aceptación o rechazo de estas atraviesa el teatro de los juicios morales que emite el receptor y los núcleos de poder que las validan.

Acarear las imágenes creadas por el marketing que se orienta a la propaganda y al consumo, con las creadas en lo que concierne a la convención llamada arte, es entablar una lucha de intereses en lo económico y naturalmente de afinidades ideológicas; es responsabilizar, resignificar o rechazar a un área del estante fotográfico, según sea el caso. No obstante, la era digital le ha impregnado de flexibilidad al que hacer fotográfico, le otorga la posibilidad de crear imágenes reales (observables, tangibles) a partir de la imaginación, que no necesariamente corresponden o van en busca de la verdad o falsedad, sin embargo, al ser realizadas con alguna pretensión, sus creadores la han convertido en sí misma un medio de opinión.

Fotógrafos, creadores o imaginarios, como son: Pedro Meyer y Joan Fontcuberta[1], han experienciado el amplio quehacer fotográfico, en un transitar de lo mecánico a lo digital, de lo establecido a la experimentación controlada que ha otorgado la flexibilidad de la era digital. Aunque, en el trabajo ambos dialogan: arte y tecnología, cada uno entiende y emite opiniones de manera particular, en la forma de crear imágenes y en la vertidita de calificativos de veracidad y engaño, dando pie a una atmosfera de discusión y reflexión. Meyer y Fontocuberta se han maravillado por la era digital y han maravillado a otros individuos a través de esta, al convertirla en una posibilidad más para la creatividad, en una facturación lograda, a partir de la descontextualización de elementos para ser incrustados en otro, formulando así, cierta referencia, Interpretación o insinuación de un hecho que les inquieta.

 

Referencias.

Bibliografía:

Fred Ritchin, 2010, Después de la fotografía, traducción de Luis Albores, Serieve.

Links:




 



[1] Para tener un mejor acercamiento a la vida y obra de estos personajes véase:
 

Actividad 8


Comentario de la sesión magistral “tres momentos claves de la fotografía estadounidense en el siglo XIX: la experiencia fotográfica en Norteamérica”, impartida por: Jorge Morales.

Jorge morales a considerados tres momentos/encuentros que han marcado el devenir de la experiencia fotográfica en E.U.A:

1. - En 1839 los inventores Samuel Morse y M. Daguerre se reúnen en Paris. Morse tras su regreso a Estados Unidos de Norteamérica, maravillado por los resultados que se obtienen en el proceso fotográfico daguerrotipo, le da difusión. El empleo de este proceso fue una alternancia al dibujo y la pintura en el registro de guerra; pareciera ser, que el éxito radico en la aproximación a la realidad, ya que, permite la congelación y aprehensión de momentos en donde es posible visualizar los  elementos que dialogan dentro de la escena, en su forma convencional.

2. - En 1872 el fotógrafo Eadwear J. Muybridge y Leland Stanford, personaje de la industria y la política, se reúnen con el propósito de fotografiar el movimiento correcto que realizan los caballos al correr, el resultado desvaneció la manera tradicional en la que se había representado esta acción en la pintura, en la cual era más parecida a la de volar que a la de correr.

3. - En 1900 Alfred Stieglitz y Edwart Steichen. El encuentro entre un veterano fotógrafo y un aspirante a pintor y fotógrafo, trae consigo la difusión colaborativa de la fotografía en revistas, buscado el reconocimiento de esta práctica como forma artística.

jueves, 18 de septiembre de 2014

Actividad.


Actividad.

El presente escrito fue desarrollado en base a una de las tantas ideas que guarda la obra Después de la fotografía de Fred Ritchin.

Hemos entrado al mundo digital, un sitio, que sin duda alguna no podemos escapar por su carácter revolucionario. Si pensar en revolución fotográfica, es pensar bajo pretensión de cambio, también lo podríamos hacer con las miras de la evolución, es decir: la premisa de transformación acumulativa, y no tanto con la de progreso, debido a que cada objeto fue diseñado en su momento con la mejor completud que se disponía.

Entender la fotografía como un abanico de posibilidades, es dar cuenta de su diversidad y no de un acto general que tienda a empobrecerla. El aseguramiento fotográfico en el devenir histórico del ser humano solo pudo ser concretado al haber transitado las vías del cambio, debido a que todo elemento que no se adecue o trasforme a partir de la acumulación, tendera a desaparecer. De lo mecánico a lo digital -en fotografía- es caminar a manera de analogía, del fenotipo al genotipo, es decir: ir mas allá de lo tangible, de la aprehensión de imágenes con sus esencias y sujetos, es poder adentrarnos en lo que no es visible y puede ser modificable.    

El adentramiento a la estructura interna de la fotografía en la era digital, ha replanteado nuestra cosmovisión del mundo a partir una representación de lo real, no obstante, a transfigurado esa cosmovisión, ya que, la alteración de la estructura de cierta fotografía permite crear imágenes de un hecho que probablemente jamás existió. Es una manipulación, reconfiguración o referencia, elaborada para que el consumidor la reciba a manera que más le plazca.

Ritchin ofrece un cuestionamiento pertinente ante este acto: ¿la fotografía aún requiere un fotógrafo o incluso de una cámara?, a mi consideración: naturalmente requiere de ambas, lo modificable son imágenes, mas no todo el cuajaron que implica el proceso fotográfico; lo rescatable de este acto, nos cause afinidad con ella o no, es que el acto por sí mismo se convierte en una fuente de posibilidad fotográfica.

jueves, 4 de septiembre de 2014

Actividad 1.



       
Sonrisas escondidas .
 Arturo Alejandro Albarrán Padilla.
Sonrisas escondidas, es el título que lleva  esta fotografía, a mi consideración es buena, adecuada, ya que cumple el propósito con el que fue tomada, es decir, mostrar la vestimenta que utilizan niñas en un grupo poblacional: San Juan Chamula, Chiapas.

-Equipo con el que cuento:

Computo: Laptop Toshiba Satélite.                       

Cámara: Nikon D3200.

-Sin experiencia previa teórica-técnica dentro del que hacer fotográfico.

-Expectativas del curso:
Adquirir elementos técnicos que permeen el manejo apropiado de las herramientas que implican en la toma adecuada de fotografías.